El mejor grupo de rock de la historia
La compañía británica 02 de teléfonos móviles realizó una encuesta para elegir el grupo de rock perfecto.
Según los resultados obtenidos, las 2400 personas que participaron de la encuesta dijeron que Freddie Mercury (vocales), Jimi Hendrix (guitarra), Elton John (teclados) y Phil Collins (batería) serían los artistas ideales para integrar esta superbanda.
En segundo lugar, quedó la alineación Bono, Eric Clapton, Stevie Wonder y Ringo Starr.
Este cronista, por ser extremadamente creativo, decidió reunir al peor grupo de la historia, para lo cual no tuvo que pensar mucho, y seleccionó a los 5 Backstreet Boys juntos (claro que no saben ni tocar el timbre).
Anímate y deja tu comentario con los que, opinas, formarían la mejor banda de todos los tiempos.
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Artículo de Jorge Sahores
Autodidacta de orígenes anarquistas que por medio del teclado vierte conceptos inconducentes, como circulitos concéntricos. Vistosos, eso sí...Articulos relacionados :
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260 Comentarios al Artículo: El mejor grupo de rock de la historia
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PETER GABRIEL :VOZ
GUITARRA : JIMI HENRIX
BAJO : Nathan East
TECLADOS : EL MAS GRANDE TONY BANKS
BATERIA OBIO QUE : PHIL COLLINS
EN ESE GRUPO ESTARIA LA PERFECCION SIN DUDA CADA UNO SON DEMASIADOS PERFECCIONISTAS AHI TIENEN FORMACION SE ACABA EL COMENTARIO BUENA QUE HAY TRES INTEGRANTES DE GENESIS EL GRUPO CON MAS INTELIGENCIA EN SUS INTEGRANTES DE TODA LA HISTORIA
haber quien puede igualar la guitarra red special de brian may o la bateria intrepida de roger taylor o el bajo de john deacon y que decir de la vocal de freddie sin omitir el piano? queen es lo mas grande
tan solo conocer a slash es mucho para ti pen dejo
y es mejor ac dc . led zepelin o pink floid
existirian las bandas de hoy en dia el pendejo que dices es el que no le llega a lennon pinche mierda ignorante
mis respetos para ti
pink floyd
nirvana
led zeppelin
the beatles
queen
deep purple
the doors
guns n´ roses
metallica
ac/dc
the police
radiohead
judas priest
los mejores guitarristas:
jimi hendrix
slash
ritchie blackmore
jimi page
los mejores cantantes:
freddy mercury
kurt cobain
janis joplin
Según la revista the rolling stones, la BBC, los record guiness, wikipedia, google, y toda esa basura QUEEN es el mejor grupo de la historia de la humanidad, pink floyd no es ni un positrón al lado de Freddie Mercury
se ve que no saven nada de musica, no entiendo como no mensionan a los Beatles, los otros grupos ni si quiera le llegan a la mitad a ellos. Los beatles fue el grupo que mas discos vendio en la historia. Paren de insultarlos
Sergio osea q tu menosprecias a Freddie Mercury x su sexualidad ?? … aqui hablamos de la calidad como cantante q tuvo el no de q opcion sexual tenia, ademas nadie duda de q The Beatles fue una gran banda asi como Led Zeppelin Pink Floyd Queen Rolling Stone xD
John Bonham & Ginger Baker ( Bateria )
Jack Bruce (Bajo)
Robert Plank ( Vocal)
Y Q ES??
EL ROCK LA MUSICA
QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN
QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN
GOD SAVE THE QUEEN !!! TE AMO FREDDY ERS EL MEJOR
QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEENQUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN QUEEN
GOD SAVE THE QUEEN !!! TE AMO FREDDY ERS EL MEJOR
robert plant = mejor vocalista
jimmy page = mejor guitarrista
jhon bonham = mejor baterista
jhon paul jones = mejor arreglista musical (en studio) mejor tecladista musical
todos ellos = led zeppelin
xD
pero si me dicen formar un grupo seria
robert plant = vocalista (led zeppelin)
ozzi osborne = vocalista (black sabbath)
fredie mercury = vocalista (queen)
jimmy page = guitarra 1 (led zeppelin)
jimmy hendrix = guitarra 2 (jimy hendrix band)
eric clapton = guitarra 3 (cream)
tommy jommy = guitarra 4 (black sabbath)
marc knofler = guitarra ritmica (dire straits)
jack bruce = bajista (cream)
jhon paul jones = bajista 2 (led zeppelin)
jhon bonham = bateria (led zeppelin)
phill collins = bateria
eso no se dicute y quien diga q hendrix phil colins etc.. es un idiota los mejores q an esistido son the beatles y nunca seran superados
Para mi los beatles(que apratir de ahora los nombare como the bs)eran POP o musica para niños a si como el famoso BARNI u otros .miren aqui la historia de los the bs es una banda creada en Liverpool en 1960 sus inicios de rock & roll pero luego por conveniencias economicas empezaron a tocar POP.
bueno chau aguante GREEN DAY Y LINKIN PARK.JAJAJAAJ NO JODA AGUNATE PINK FLOYD QUEEN Y MUCHISOMOS MASSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSSS ROCKKKKKKKKKKKKKKKKKKKKKKKKKKKK
Con una formación inicial de cinco elementos que incluía a Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe (bajo) y Pete Best (batería), construyeron su reputación en los clubes de Liverpool y Hamburgo en un período de tres años a partir de 1960. Sutcliffe abandonó la formación en 1961, y Best fue reemplazado por Starr al año siguiente. Establecidos como grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su mánager, y con su potencial musical mejorado por la creatividad del productor George Martin, lograron éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo, Love Me Do. A partir de ahí, fueron adquiriendo popularidad internacional a lo largo de los siguientes años, en los cuales tuvieron un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente al estudio de grabación hasta su disolución en 1970. Después, todos sus integrantes se embarcaron en exitosas carreras independientes. McCartney y Starr permanecen activos, Lennon fue asesinado a tiros en 1980, y Harrison murió de cáncer en 2001.
Durante sus años de estudio crearon algunos de sus mejores materiales, incluyendo el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra. Cuatro décadas después de su separación, la música que crearon continúa siendo popular. Se mantienen como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en esta posición que cualquier otra agrupación musical.[3] De acuerdo con las certificaciones de la RIAA, han vendido más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista.[4] En 2008, la revista Billboard publicó una lista de los artistas más exitosos de todos los tiempos en el Hot 100 con motivo del 50 aniversario de la lista de éxitos,[5] y The Beatles fueron colocados en el número uno. Fueron galardonados con 7 premios Grammy,[6] y recibieron 15 premios Ivor Novello de la Academia Británica de Compositores y Cantautores.[7] En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número uno en su lista de los “50 artistas más grandes de todos los tiempos”.[8] De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta.[9]
Formación y primeros años
A los dieciséis años de edad, el cantante y guitarrista John Lennon formó el grupo de estilo skiffle The Quarrymen junto con algunos compañeros del colegio en marzo de 1957.[1] Poco tiempo después, en julio del mismo año, Paul McCartney, que por entonces tenía quince años, conoció a Lennon y se unió como guitarrista.[10] Este último invitó a su amigo George Harrison en febrero del año siguiente, el cual con catorce años se unió como el guitarrista líder de la formación.[11] [12] En 1960, los compañeros de colegio de Lennon abandonaron la agrupación para ingresar a la Escuela de Artes de Liverpool, haciendo que Lennon y McCartney se encargaran de tocar la guitarra rítmica, aunque les hacía falta alguien que tocase la batería.[13] En enero de 1960, un amigo de Lennon, Stuart Sutcliffe, se unió como bajista y sugirió cambiar el nombre de la banda a “The Beetles” (escarabajos) como homenaje a Buddy Holly y The Crickets (en inglés “Los grillos”). En los primeros meses del año cambiaron el nombre a “The Beetles”.[14] [15] Después de probar otros nombres como “Johnny and the Moondogs”, “Long John and The Beetles” y “The Silver Beatles”, en agosto, se decantaron por “The Beatles”.[16] La falta de un baterista oficial se tornó un problema cuando el mánager, Allan Williams, les reservó una actuación en Hamburgo, Alemania.[17] A finales de agosto contrataron al batería Pete Best.[18] El quinteto viajó a Hamburgo cuatro días después de ser contratados por Bruno Koschmider, dueño de varios clubes en aquella ciudad, la cual por esos días no contaba con clubes de rock and roll, al contrario de los de striptease, que sí existían según cuenta el biógrafo Philip Norman.
“Bruno tenía la idea de llevar grupos de rock para que tocasen en varios clubs. Tenían esa fórmula, un enorme espectáculo sin pausas (nonstop), hora tras hora, en el que un montón de gente se apresuraba a entrar y otro a salir, mientras las bandas tocaban continuamente para atraer al tránsito de peatones. En una zona de prostíbulos estadounidense lo habrían llamado striptease nonstop.
Muchas de las agrupaciones musicales que tocaban en Hamburgo provenían de Liverpool [...] fue uno de estos accidentes casuales, Bruno marchó hacia Londres en busca de bandas, pero conoció a un empresario de Liverpool en Soho que estaba ahí por pura casualidad y se las arregló para enviar algunos grupos”.[19]
En agosto de 1960 y con tan sólo diecisiete años, Harrison obtuvo el permiso de residencia en Hamburgo, aunque para ello mintió sobre su verdadera edad.[20] En un principio les asignaron el Indra Club para actuar, pero Koschmider los trasladó al Kaiserkeller en octubre del mismo año debido a que el Indra fue clausurado por las constantes quejas del ruido que ocasionaba.[21] Poco tiempo después aceptaron la oferta de actuar en el Top Ten Club, rompiendo así el contrato que tenían con Koschmider, el cual por despecho informó a las autoridades de la verdadera edad de Harrison, lo que condujo a su deportación en noviembre.[22] [23] Una semana más tarde, McCartney y Best fueron deportados también por ocasionar un incendio cuando le prendieron fuego a un preservativo colgado de un clavo en su habitación.[24] Lennon regresó a Liverpool a mediados de diciembre, mientras que Sutcliffe permaneció en Hamburgo con su novia alemana, Astrid Kirchherr, durante otro mes. Kirchherr les hizo sus primeras fotos profesionales y diseñó el corte de pelo de Sutcliffe, que tiempo más tarde fue adoptado por el resto de ellos.[25] [26]
Durante los próximos dos años residieron por períodos sucesivos en Hamburgo, usando Preludin para ser más creativos y mantenerse con más energía en sus actuaciones nocturnas.[27] Sutcliffe decidió dejar la formación a principios de 1961 y reanudó sus estudios de arte en Alemania, de modo que McCartney se vio obligado a tocar el bajo.[26] [28] [29] El productor alemán Bert Kaempfert contrató al cuarteto como extras de soporte al cantante Tony Sheridan en una serie de grabaciones.[30] Acreditado a “Tony Sheridan and The Beat Brothers”, el sencillo “My Bonnie”, grabado en junio y lanzado cuatro meses después, alcanzó el número 32 en la lista Musikmarkt.[31] [32] En Liverpool, al regresar de Hamburgo, fueron cada vez más conocidos. Durante una de sus frecuentes apariciones en el Cavern Club conocieron a Brian Epstein, dueño de una tienda de discos local y columnista de música.[33] Cuando nombraron a Epstein su mánager en enero de 1962, Kaempfert acordó liberarlos del contrato discográfico alemán. Después de que Decca Records los rechazase comentando que “Los grupos de guitarra están en pleno declive, señor Epstein”, el productor George Martin les firmó un contrato con el sello Parlophone de EMI.[34] [35] [36] Cuando regresaron a Hamburgo en abril recibieron un trágica noticia. Allí mismo, reunidos en el aeropuerto: Kirchherr, mostrándose muy afectada, les informó de que Sutcliffe había muerto a causa de una hemorragia cerebral.[
Tuvieron su primera sesión de grabación en Londres, bajo la dirección de Martin en los Estudios EMI (actualmente Estudios Abbey Road) en junio de 1962. A Martin no le convenció la habilidad con la que tocaba la batería Pete Best, sugiriéndole privadamente a Epstein que lo cambiasen por un batería de sesión en el estudio.[39] Finalmente, Best fue remplazado por Ringo Starr. Starr, que dejó a Rory Storm and the Hurricanes para unirse a The Beatles, ya había actuado con ellos en algunas ocasiones, sobre todo cuando Best estaba enfermo.[40] Sin embargo, Martin ya había contratado al batería de sesión Andy White para la siguiente sesión de grabación,[41] y White tocó la batería en “Love Me Do” y “P.S. I Love You”. Lanzado en octubre, “Love Me Do” alcanzó el número diecisiete en la listas del Reino Unido.[42] Posteriormente, en el mes de noviembre comenzaron a grabar lo que sería su segundo sencillo, “Please Please Me”. Hicieron su debut en la televisión con una actuación en directo del programa regional People and Places.[43]
Concluyeron su última temporada de Hamburgo en diciembre de 1962.[19] En ese momento acordaron que los cuatro contribuirían como vocalistas, aunque el rango restringido de Starr hizo que rara vez fuese el líder vocal.[44] Al comprobar que aumentaban el éxito del grupo, Lennon y McCartney establecieron una asociación para componer canciones, dándole muy pocas oportunidades a Harrison de ser el vocalista.[45] Epstein, sintiendo el potencial comercial que tenían, los alentó a que adoptasen una actitud más profesional. Lennon repitió lo que el mánager les dijo: “Miren, si ustedes realmente desean conseguir uno de esos lugares grandes, van a tener que cambiar, dejar de comer en el escenario, dejar de maldecir, dejar de fumar”.[46] Lennon dijo: “Solíamos vestir como nos gustaba, dentro y fuera del escenario. Se nos decía que los vaqueros no eran especialmente elegantes y que deberíamos considerar la posibilidad de usar pantalones más adecuados. Él nos dejó tener nuestro propio sentido de individualidad [...] tuvimos que elegir entre obedecerle o dejar de comer pollo en el escenario”.[46]
Beatlemanía y años de gira (1963–66)
Popularidad en el Reino Unido, Please Please Me y With The Beatles
Los lanzamientos de The Beatles en los Estados Unidos inicialmente se retrasaron por casi un año, cuando Capitol Records, filial americana de EMI, se negó a lanzar los sencillos “Please Please Me” y “From Me to You”.[66] Las negociaciones con sellos independientes de Estados Unidos llevaron a la publicación de algunos sencillos, pero los problemas de regalías y las burlas hacia el peinado “moptop” de los integrantes plantearon nuevos obstáculos.[67] [68] Una vez que Capitol comenzó a emitir el material en Estados Unidos, en lugar de lanzar los LP en su configuración original, compilaron sus distintas grabaciones en diferentes álbumes, y emitieron canciones en sencillos de su preferencia.[69] El éxito definitivo en América llegó cuando se emitió un reportaje sobre la Beatlemanía británica, provocando gran aclamación entre el público norteamericano, lo que llevó a Capitol a lanzar “I Want to Hold Your Hand” en diciembre de 1963.[70] El primer viaje que realizaron a Estados Unidos estaba preparado para una semanas después.
Cuando abandonaron el Reino Unido el 7 de febrero de 1964, unos cuatro mil aficionados reunidos en Heathrow comenzaron a saludar y gritar cuando la aeronave despegó.[71] “I Want to Hold Your Hand” había vendido 2,6 millones de copias en los Estados Unidos durante las dos semanas anteriores, pero aun sentían cierta incertidumbre sobre el recibimiento que tendrían a su llegada.[72] Al llegar al recién rebautizado Aeropuerto Internacional John F. Kennedy fueron recibidos por otra multitud vociferante, estimada en alrededor de tres mil personas.[73] Su primera aparición estadounidense la llevaron a cabo en el programa The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores —casi la mitad de la población del país de ese entonces—.[74] [75] A la mañana siguiente un periódico escribió que The Beatles “no podían llevar la misma musiquilla cruzando el Atlántico”,[76] pero un día después de su presentación debut en Estados Unidos, por primera vez la Beatlemanía se hizo ver en el Washington Coliseum.[77] De vuelta a Nueva York el día siguiente, se presentaron con otra gran acogida en el Carnegie Hall. Después de una semana aparecieron en el Ed Sullivan Show por segunda vez, antes de regresar al Reino Unido el 22 de febrero.[78] Durante la semana del 4 de abril habían logrado situar doce de sus canciones en el Billboard Hot 100, incluyendo los cinco primeros lugares.[79] Esa misma semana, un tercer LP estadounidense se unió a los otros dos que ya estaban en circulación. Los tres llegaron a los primeros lugares en la lista estadounidense de álbumes. El éxito que habían obtenido en los Estados Unidos provocó la denominada invasión británica: la llegada de una serie de nuevas formaciones musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de The Beatles.[80] El peinado del cuarteto, inusualmente largo para ese tiempo, continuó siendo objeto de escarnio de muchos adultos, pero ampliamente adoptado como emblema cultural de la juventud floreciente.[81]
A mediados de 1964 realizaron una gira internacional en la que programaron treinta y dos conciertos en solo diecinueve días. Los lugares de actuación fueron en Dinamarca, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda, y en todos ellos fueron recibidos con gran entusiasmo.[82] [83] Starr se encontró enfermo durante la primera mitad de la gira, y Jimmy Nicol fue el encargado de tocar la batería durante su ausencia. En agosto volvieron a visitar Estados Unidos, con una gira de treinta conciertos en veintitrés ciudades.[84] Generando una aclamación inmensa una vez más, la gira atrajo entre diez y veinte mil aficionados en todos los conciertos. Sin embargo, su música apenas era audible.[84] El sistema de amplificación de ese momento era modesto en comparación a los equipos modernos de la actualidad, y los pequeños amplificadores Vox que usaban tenían dificultades para competir con el alto volumen del sonido generado por los gritos de los fans. Obligados a aceptar que ni ellos ni su público pudieran conocer los detalles de sus actuaciones, comenzaron a aburrirse de los conciertos y las giras.[85]
Al final de la gira de agosto, estando en Nueva York, les presentaron a Bob Dylan por iniciativa del periodista Al Aronowitz. Cuando lo visitaron en su suite del hotel, Dylan los inició en el consumo de cannabis.[86] El historiador musical Jonathan Gould señaló la importancia musical y cultural de esta reunión, ya que los respectivos fans de los músicos eran “percibidos como habitantes de dos mundos culturalmente separados”: El público general de Dylan eran “chicos de la universidad con inclinaciones artísticas o intelectuales, un idealismo político y social naciente, y un estilo ligeramente bohemio” en contraste con la audiencia de The Beatles que eran unos “verdaderos ‘adolescentes’—chicos de secundaria o primaria, que cuyas vidas estaban totalmente envueltas en la comercializada cultura popular de la televisión, radio, discos de música pop, revistas, y la moda adolescente. Fueron vistos como idólatras, no como idealistas”. Seis meses después de la reunión “Lennon estaría haciendo grabaciones en donde imitaba el tono nasal de Dylan, de rasgueo frágil, y su personalidad vocal era introspectiva”. Dentro de un año, Dylan “procedería, con la ayuda de otras cinco personas y una guitarra eléctrica Fender Stratocaster, a sacudir las bases del folk que se hizo auténtico y permanente en él”; “las diferencias entre el folk y el rock estaban casi condensadas”; y la audiencia de The Beatles “mostraba signos de crecimiento”.[87]
A Hard Day’s Night, Beatles for Sale, Help! y Rubber Soul
La falta de interés de la compañía discográfica Capitol Records durante 1963 no pasó desapercibida por la competencia, de manera que United Artists Records alentó a su división de cine United Artists a ofrecerles un contrato cinematográfico con la esperanza de poder llegar a un acuerdo discográfico con ellos.[88] Dirigida por Richard Lester, A Hard Day’s Night los envolvió durante un periodo de tres semanas entre marzo y abril de 1964 para el rodaje de la película.[89] El estrenó tuvo lugar en Londres y Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito internacional.[90] Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las películas más célebres de la historia en su género.[91] Según Allmusic, la banda sonora de la película, A Hard Day’s Night, hizo que se les viese como “una verdadera banda cohesionada. Todas las influencias dispares de sus dos primeros álbumes se habían fundido esta vez de forma brillante, alegre y original, llena de sonidos de guitarras”.[92] Este “sonido de guitarra” fue principalmente producto de Harrison y su guitarra eléctrica de 12 cuerdas Rickenbacker.[93]
Su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale, vio el comienzo de un serio conflicto entre el comercialismo y la creatividad.[94] Grabado entre agosto y octubre de 1964, se tuvo la intención de continuar con el formato establecido en A Hard Day’s Night, que a diferencia de los primeros dos LP, éste incluía únicamente composiciones originales de ellos.[94] Reconociendo el desafío que planteaba el dar constantes conciertos por todo el mundo, sus esfuerzos de componer nuevas canciones fueron en vano. Finalmente, fueron incluidas seis versiones en su nuevo álbum de estudio.[94] Lanzado a principios de diciembre, sus ocho canciones originales destacaron por la creciente madurez que mostraba el material producido por la asociación Lennon-McCartney.[94]
En abril de 1965, estando Lennon y Harrison cenando por invitación en casa de su dentista, consumieron LSD que este último había añadido en sus cafés.[95] Posteriormente, ambos músicos experimentaron deliberadamente con esta droga, uniéndose a ellos Starr en una ocasión.[96] McCartney se mostró al principio renuente a probarla, pero finalmente lo hizo en 1966, y más tarde se convirtió en el primero en hablar públicamente sobre ello.[97] La controversia surgió en junio de 1965, cuando la Reina Isabel II los designó como miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Los propuso el Primer Ministro Harold Wilson, el que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de Liverpool.[98] El nombramiento —en ese tiempo concedido fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles— provocó que algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia.[99]
La segunda película de The Beatles, Help!, de nuevo dirigida por Lester, fue estrenada en julio de 1965. Descrita principalmente como “una parodia de las películas de James Bond”,[100] el filme fue recibido tibiamente por la crítica y por ellos mismos. McCartney comentó: Help! era estupenda, pero no fue nuestra película, éramos como una especie de estrellas invitadas. Fue divertido, pero básicamente, como idea para una película, estuvo un poco errada”.[100] Su banda sonora, el quinto álbum de estudio de la agrupación, contenía otra vez una mezcla de material original y versiones, pero con más énfasis en Lennon como cantante y compositor, incluyendo los dos sencillos lanzados extraídos del álbum: “Help!” y “Ticket to Ride”.[101] En Help! se les vio con una mayor utilización de doblajes vocales y la incorporación de instrumentos clásicos en sus arreglos, especialmente el cuarteto de cuerdas de la balada “Yesterday”.[102] Compuesta por McCartney, “Yesterday” posee el récord de ser la canción más versionada de la historia de la música.[103] La pista de cierre del LP, “Dizzy Miss Lizzy”, se convirtió en el último tema que versionaron e incluyeron en un álbum. Con la excepción de Let It Be, que contenía la canción popular tradicional de Liverpool “Maggie Mae”, todos sus discos posteriores incluyeron sólo material original.[104]
El 15 de agosto, en su tercera visita a Estados Unidos, llevaron a cabo el concierto en el Shea Stadium de Nueva York, ante una multitud de 55.600 personas.[105] Otros nueve conciertos le siguieron en otras ciudades de Estados Unidos, también con gran éxito. Hacia el final de la gira, el 27 de agosto de 1965, visitaron a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air.[106] En la sala de Elvis tocaron y discutieron sobre el negocio de la música e intercambiaron anécdotas personales.[107] En septiembre de 1965 se estrenó una serie estadounidense de dibujos animados de The Beatles, transmitida los sábados por la mañana en la televisión que los tenía como protagonistas. La serie hacía eco del humor de la película A Hard Day’s Night. Los episodios originales, aunque producidos hasta 1967, siguieron apareciendo durante dos años más, hasta 1969.[108]
Rubber Soul, lanzado a principios de diciembre, fue aclamado por la crítica como un gran paso en la madurez y la complejidad de su música.[109] El biógrafo y crítico musical Ian MacDonald comentó que con Rubber Soul, The Beatles “recuperaron la dirección que habían comenzado a perder durante las últimas etapas con su trabajo en Beatles for Sale”.[110] Después de que en Help! incursionasen en el mundo de la música clásica con cuerdas y flautas, la introducción en Rubber Soul de una cítara en “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)” marcó un avance más allá de los límites tradicionales de la música rock. Además, también demostró que Lennon y McCartney estaban menos complementados en sus composiciones, cada vez más diferentes entre sí (aunque seguían compartiendo crédito oficial). Su alcance temático estuvo en plena expansión, englobando los aspectos más complejos del romance y otro tipo de preocupaciones en sus canciones.[109] Como sus letras se hicieron más ingeniosas, los fans comenzaron a estudiarlas para encontrar su verdadero significado. Se especuló que “Norwegian Wood” podría referirse al cannabis.[111] En 2003, la revista Rolling Stone clasificó a Rubber Soul en el puesto número 5 de “los 500 mejores álbumes de todos los tiempos”,[112] y el álbum es descrito por Allmusic como “uno de los clásicos discos en el género musical de folk rock”.[1] De acuerdo con Lennon y McCartney, sin embargo, este fue “solo un álbum más”.[113] El ingeniero Norman Smith vio claros signos de los crecientes conflictos que tenían durante las sesiones de Rubber Soul; Smith dijo más tarde que “el enfrentamiento entre John y Paul se hacía cada vez más evidente” y “en lo que se refiere a Paul, George no podía hacer nada bien”.[114]
Controversia, años finales y separación (1966-1970)
Incidente en Manila y comentario de Lennon sobre Jesucristo
En junio de 1966 salió a la venta Yesterday and Today, una compilación creada por Capitol Records para el mercado estadounidense. El álbum causó gran impacto por su portada, al retratarlos vestidos de carniceros rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Una popular, aunque apócrifa historia, fue que la portada se entiende como respuesta al modo que empleó Capitol en masacrar sus álbumes.[115] Ante la controversia y escándalo que la portada de este álbum despertó, decidieron cambiarla por una nueva más convencional. Una copia original sin censura fue subastada en 10.500 dólares en diciembre de 2005.[116] Durante un viaje a Filipinas, un mes después de que saliera a la venta Yesterday and Today, fueron invitados a un desayuno en el Palacio Presidencial por parte de la primera dama del país, Imelda Marcos.[117] Cuando se presentó la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en nombre del grupo, ya que nunca había sido su política el aceptar las invitaciones oficiales.[118] The Beatles se dieron cuenta pronto de que el régimen de Marcos no estaba acostumbrado a tomar un “no” por respuesta. Como resultado de esto, tuvieron que escapar del país a causa de los disturbios que se habían ocasionado.[119]
Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se encontraron con la reacción furibunda de algunos de los religiosos y conservadores de aquel país, debido a un comentario que Lennon había hecho el marzo pasado: en una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave,[120] opinó que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que The Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo.[121] [122] El comentario pasó prácticamente desapercibido en Inglaterra, pero cuando en Estados Unidos la revista Datebook publicó lo sucedido, se creó una gran controversia entre los grupos religiosos del sur de Estados Unidos.[123] Al mismo tiempo, ocasionó también que en Sudáfrica el gobierno prohibiera la publicación de grabaciones de The Beatles, acta que se extendió hasta 1971.[124] Epstein criticó públicamente a Datebook, diciendo que habían interpretado las palabras de Lennon fuera de contexto.[125] Finalmente, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de agosto de 1966.[125]
Revolver y el Sgt. Pepper
Rubber Soul suponía un gran paso hacia adelante en la música de The Beatles; Revolver, lanzado en agosto de 1966, una semana antes de su última gira, significó otro paso más hacia adelante para el grupo.[126] Pitchfork lo identifica como “el sonido de una banda creciendo con suprema confianza” y “la redefinición de lo que cabía esperar de la música popular”.[53] En Revolver se destacan las sofisticadas composiciones y un repertorio muy amplio de estilos musicales, que van desde innovadores arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico.[126] Abandonando la típica fotografía que hasta ese momento era norma, la portada del álbum —diseñada por Klaus Voormann, un amigo que conocían desde sus días en Hamburgo— consistió ahora en un “collage artístico en blanco y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo de Aubrey Beardsley”.[126] El álbum fue precedido por el sencillo “Paperback Writer”, con “Rain” en la cara B del disco. The Beatles rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están considerados “entre los primeros videos musicales de verdad en filmarse en aquella época”,[127] y que fueron transmitidos en los programas Top of the Pops y The Ed Sullivan Show.[128] [129]
Uno de los temas más experimentales de Revolver fue “Tomorrow Never Knows”, cuya letra fue inspirada por el libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, de Timothy Leary. En la creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del bucle de una cinta.[130] “Eleanor Rigby”, de McCartney, contiene un uso prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito como “un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo o género concreto en la canción”.[131] Harrison se estaba desarrollando como compositor, y tres de sus composiciones habían ganado lugar en el álbum. En 2003, Rolling Stone situó a Revolver como “el tercer mejor álbum de todos los tiempos”.[112] En la gira que siguió en Estados Unidos, The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum.[132] The Beatles dieron su último concierto en vivo el 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco.[133] Marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1400 apariciones en conciertos a nivel internacional.[134]
Inscripción a la entrada del parque Strawberry Fields, lugar que inspiraría una de sus más afamadas canciones; 2002.En menos de siete meses, después de grabar Revolver, volvieron a los estudios de grabación de EMI el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Emerick recordó: “The Beatles insistieron en que todo en el Sgt. Pepper tenía que ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo aleatoriamente y al revés”.[135] Algunas partes de “A Day in the Life” requirieron una orquesta de cuarenta personas.[135] Cerca de setecientas horas de tiempo de estudio se dedicaron a las sesiones. Primero se produjo el sencillo de doble lado A “Strawberry Fields Forever”/”Penny Lane” en febrero de 1967, el Sgt. Pepper le siguió en junio. La complejidad de las grabaciones musicales, creadas usando sólo tecnología de grabación a cuatro pistas, asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The Beatles.[136] Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum Smile, el oír “Strawberry Fields” fue un duro golpe y pronto abandonó todos los intentos de competir con The Beatles.[137] [138] El Sgt. Peppers recibió la aclamación de la crítica. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó como el mejor álbum de todos los tiempos,[112] y es ampliamente considerado como una obra maestra.[139] Jonathan Gould lo describe como
“un rico, prolongado, y desbordante trabajo de una colaboración genial que cuya ambición audaz y sorprendente originalidad ensancha notablemente las posibilidades y aumenta las expectativas de la experiencia de escuchar la música popular en lo que podría ser historia. Sobre la base de esta percepción, el Sgt. Pepper se convirtió en el catalizador de una explosión de gran entusiasmo por el formato utilizado en un álbum de rock, que iba a revolucionar tanto la estética y la economía de la industria discográfica de manera que sobrepasa las anteriores explosiones pop provocadas por el fenómeno de Elvis de 1956 y el fenómeno de la Beatlemanía de 1963″.[139]
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band es probablemente el álbum más famoso por su portada en la historia de la música popular.[140] Fue uno de los primeros en su género en incluir las letras de las canciones en su funda.[141] Esas letras fueron objeto de intenso análisis, los fans especularon, por ejemplo, que el “célebre Señor K.” en “Being for the Benefit of Mr. Kite!” de hecho podría ser el escritor de ficción surrealista Franz Kafka.[142] El crítico literario norteamericano y profesor de inglés Richard Poirier escribió un ensayo, Aprender de The Beatles, en el que señalaba que sus estudiantes estaban “escuchando la música del cuarteto con tal grado de compromiso, que él, como maestro de literatura, solo podía envidiarles”.[142] McCartney dijo en una vez: “Nosotros escribimos canciones. Sabemos lo que queremos decir en ellas. Pero en una semana alguien más dice algo al respecto, y no lo puedes negar [...] tú pones tu propio significado a tu propio nivel a nuestras canciones”.[142] La sorprendentemente buena elaboración de la portada del Sgt. Pepper’s ocasionó gran interés y un estudio profundo sobre ella.[143] Los bigotes que en esta época llevaban se convirtieron rápidamente en un sello distintivo del estilo hippie.[144] El historiador cultural Jonathan Harris describió “el coloreado intenso y paródico de los uniformes militares” usados por The Beatles en el disco como una visualización de su manifestación anti autoritaria y anti sistema.[145]
El 25 de junio transmitieron su más reciente sencillo, “All You Need Is Love”, a los televidentes de todo el mundo a través de Our World, el primer programa transmitido vía satélite para todo el mundo.[146] Su aparición en medio del Verano del amor hizo que la adoptasen como himno del flower power.[147] [148] Dos meses después sufrieron una pérdida que lanzó su carrera al caos. Después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, viajaron a Bangor (Gales) para retirarse de la meditación trascendental. Durante el retiro, el asistente de Epstein, Peter Brown, llamó para informarles de que Epstein había muerto.[149] El médico forense dictaminó que su muerte fue ocasionada por una sobredosis accidental, pero en general se rumorea que se descubrió una nota de suicidio entre sus bienes.[150] Epstein había estado en un estado emocional frágil, tanto por cuestiones personales como por el estado de su relación de trabajo con The Beatles.[151] Le preocupaba que no hubiesen renovado su contrato de gestión, que expiraba en octubre, basado en el descontento que tenían con su supervisión en los asuntos de negocios. Se expresaron dudas concretas sobre Seltaeb, la empresa que manejaba los derechos de comercialización de The Beatles en los Estados Unidos.[150] La muerte de Epstein los dejó desorientados y temerosos por su futuro. Poco después, Lennon dijo: “No tuve conceptos erróneos acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que tocar música y tenía miedo”.[152] Recapitulando, comprendió que la muerte de Epstein sería el comienzo del fin del grupo: “Sabía que estábamos en apuros [...] entonces pensé, estamos jodidos a partir de este momento”.[153]
Magical Mystery Tour, The White Album y Yellow Submarine
Magical Mystery Tour, la banda sonora de una remota película para televisión preparada por The Beatles, apareció como un doble EP de seis temas a principios de diciembre de 1967.[154] En los Estados Unidos las seis canciones aparecieron en un LP titulado de la misma manera, en el que se incluyeron también los temas de sus últimos sencillos. Allmusic opina sobre el Magical Mystery Tour americano: “El sonido psicodélico de este disco está muy al par del Sgt. Pepper, e incluso se encuentra más acentuado en algunas partes de él (especialmente en los collages de sonido de “I Am The Walrus”)”, y califica a sus cinco canciones extraídas de los sencillos que publicaron en 1967 como “enormes, gloriosas, e innovadoras”.[155] El álbum estableció un nuevo récord en sus primeras tres semanas de venta inicial en los Estados Unidos, el más alto de cualquier otro LP de Capitol, y es una compilación de Capitol que después fue adoptada en el canon oficial de los álbumes de estudio de The Beatles.[156] Transmitida el Día de San Esteban, la película Magical Mystery Tour, dirigida básicamente por McCartney, les trajo la primera crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos despreciativos hacia su filme. Fue llamada “una indudable basura” por el Daily Express, que la describió como “una sucesión de imágenes sin editar mostrando a un grupo de gente subiendo y bajando de un autobús y viajando todo el tiempo en él”.[157] Sin embargo, el Daily Mail la calificó como “un proyecto vanidoso”, mientras que The Guardian la calificó como “una especie de juego de fantasía moral sobre la grosería, la calidez y la estupidez de la audiencia”.[157] Le fue tan rotundamente mal que pudo haber sido cancelada en los Estados Unidos en ese momento.[158] En enero, filmaron un corto para la película animada Yellow Submarine, una versión animada y fantasiosa de The Beatles. La otra y última participación que llevaron a cabo en la película fue con la contribución de varias grabaciones de estudio inéditas. Estrenado en junio de 1968, el filme fue bien recibido por su innovador estilo visual y humorístico, además de su música. Sin embargo, tuvieron que pasar siete meses hasta que se publicó la banda sonora de la película.
John Lennon y Paul McCartney durante la grabación del White Album, en 1968.Entre tanto, apareció lo que sería el álbum The Beatles, un doble LP popularmente conocido como el White Album —Álbum Blanco— debido a su funda totalmente blanca. La inspiración creativa para este trabajo llegó de un lugar inesperado, cuando, faltando la presencia rectora de Epstein, regresaron con Maharishi Mahesh Yogi para hacerlo su gurú.[159] En su ashram en Rishikesh, India, la impartición de un “curso-guía” de tres meses se convirtió en uno de sus períodos más creativos, produciendo allí un gran número de canciones, incluyendo la mayor parte de las treinta grabadas para el álbum.[160] Starr se marchó después de diez días de estancia, haciendo comparación del lugar con un campamento familiar de verano, y McCartney finalmente se aburrió con el procedimiento de sus compañeros en aquel lugar y se fue un mes después.[161] Para Lennon y Harrison la creatividad se tornó en cuestionamiento cuando Yanni Alexis Mardas, técnico de electrónica conocido como Magic Alex, sugirió que el Maharishi estaba tratando de manipularles.[159] Después de que Mardas alegara que el Maharishi había hecho proposiciones sexuales a varias asistentes, Lennon quedó convencido y se fue abruptamente, llevándose a Harrison y al resto de la comitiva consigo.[161] En su ira, Lennon escribió una canción llamada “Maharishi”, pero luego la modificó para evitar una demanda legal, convirtiéndola en la canción “Sexy Sadie”.[159] McCartney dijo: “Hemos cometido un error. Pensábamos que había algo más en el Maharishi de lo que realmente había”.[159]
Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron desde fines de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y los desacuerdos comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo que hizo que siguiesen adelante con McCartney tocando la batería en varios temas.[162] El romance de Lennon con la artista vanguardista Yōko Ono contribuyó a crearles tensiones, haciendo que Lennon perdiese el interés en escribir canciones con McCartney.[163] Desobedeciendo el acuerdo que ellos mismos establecieron de no llevar parejas al estudio, Lennon insistió en llevar a Ono a todas las sesiones de grabación, situación que no le agradaba a Harrison.[164] También era cada vez más despectivo con los aportes creativos de McCartney, al que empezó a identificar como autor de “música para abuelitas”, calificando la canción “Ob-La-Di, Ob-La-Da” como “música-basura para abuelitas”.[165] Recordando las sesiones del White Album, Lennon ofreció un curiosamente abreviado resumen de la historia que había vivido con sus compañeros a partir de ese momento, diciendo: “Es como si sacaras cada tema de ahí y lo convirtieras en todo mío y todo de Paul [...] solamente yo con músicos de acompañamiento por un lado y Paul igualmente por otro; y me lo pasé bien. Entonces fue cuando nos disolvimos”.[166] McCartney también recordó que las sesiones marcaron los comienzos de la ruptura, diciendo: “Hasta ese momento, el mundo era un problema, pero nosotros no lo éramos”, lo cual siempre había sido “la mejor cosa de The Beatles”.[167] Publicado en noviembre, el White Album fue el primer disco que Apple Records les editó. La etiqueta consistía en una empresa de Apple Corps, formada por el grupo a su regreso de la India, cumpliendo así un plan previo de Epstein de crear una estructura empresarial efectiva para administrar mejor los impuestos a pagar.[168] El álbum atrajo más de dos millones de pedidos anticipados, vendiendo casi cuatro millones de copias en los Estados Unidos en poco más de un mes, y sus temas dominaron las listas de las emisoras de radio estadounidenses.[169] A pesar de su popularidad, no recibió comentarios halagadores en su época. Según Jonathan Gould,
“La respuesta de la crítica [...] osciló entre la confusión y el desencanto. En intenso contraste con Sgt. Pepper, que había contribuido a establecer todo un género de crítica erudita de rock, el White Album no inspiró literatura crítica digna de mención. Incluso los recensores más simpatizantes [...] claramente no sabían qué hacer con esta efusión amorfa de canciones. Hubert Saal, del Newsweek, citó la alta proporción de parodias, y los acusó de exceso de ironía soterrada”.[169]
La opinión general de la crítica se decantó finalmente a favor del White Album, y en 2003 la revista Rolling Stone lo consideró el décimo mejor álbum de todos los tiempos.[112] Pitchfork describe el álbum como “grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical [...] sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes”.[170] Allmusic señala: “Claramente, las dos fuerzas compositoras de The Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban George y Ringo”; a pesar de todo “Lennon crea una de sus dos mejores baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes”, es visible que Harrison se ha convertido en “un compositor que merecía una demostración más amplia” y la composición de Starr es “un placer”.[171]
Para ese entonces, el interés por las letras de The Beatles estaba tomando un aspecto serio. Cuando la canción de Lennon “Revolution” se había publicado como sencillo en agosto, como anticipo del White Album, su mensaje parecía claro: “libera tu mente” y “no cuentes conmigo” de plática alguna sobre la destrucción como medio para un fin.[172] En un año caracterizado por protestas estudiantiles que se extendían desde Varsovia hasta París y Chicago, la respuesta de la izquierda radical fue mordaz.[173] Sin embargo, la versión de la canción en el White Album, “Revolution 1″, añadía una palabra extra: “count me out… in” (traducible por: “no cuentes conmigo…, cuenta conmigo”), lo que implicaba un cambio de ideas desde la publicación del sencillo. De hecho, la cronología se había invertido: la ambigua versión del álbum se había grabado antes: pero algunos creyeron que The Beatles ahora decían que la violencia política podía ser, a pesar de todo, justificable.[174]
El LP Yellow Submarine apareció finalmente en enero de 1969. Contenía sólo cuatro de sus canciones inéditas, junto a la pista del título, ya aparecida en Revolver; una canción de Magical Mystery Tour; y siete piezas instrumentales compuestas por George Martin. Debido a la escasez de música nueva que la agrupación proporcionaba, Allmusic sugirió que quizás el álbum “no fuese esencial”, salvo por el tema “It’s All Too Much” de Harrison, “la joya de las nuevas canciones [...] resplandecida por un mellotron envolvente, una percusión increíble, y un feedback de guitarra fastuoso [...] una excursión virtuosa en la por otra parte confusa psicodelia reinante”.[175]
El proyecto de Let It Be, Abbey Road y la separación
Artículo principal: Separación de The Beatles
Edificio de Apple en el nº 3 de Savile Row (2007, aprox.).
John Lennon cantando “Give Peace a Chance”, en 1969.Aunque Let it Be fue el último álbum que lanzaron, la mayor parte de su contenido fue grabado antes de Abbey Road. Inicialmente llamado Get Back, Let It Be se originó de una idea que Martin atribuye a McCartney: preparar nuevo material e interpretarlo por primera vez en un concierto, grabarlo para un nuevo álbum y filmar sus sesiones de grabación.[176] En este caso, mucho del contenido del disco vino del trabajo en estudio, muchas horas de las cuales fueron capturadas en película por el director Michael Lindsay-Hogg. Martin dijo que los ensayos y la grabación para el proyecto, que ocuparon gran parte de enero de 1969, “no eran en absoluto una experiencia feliz. Fue una época en la que las relaciones entre los miembros de The Beatles estaban en su punto más bajo”.[176] Agravado por las relaciones entre McCartney y Lennon, Harrison abandonó los ensayos durante una semana. Regresó con el teclista Billy Preston, que participó en los últimos diez días de las sesiones del álbum y que fue acreditado en el sencillo “Get Back”, el único músico en recibir tal reconocimiento en una grabación oficial de The Beatles. Pensando en la localización para realizar el concierto, quedaron estancados, rechazando, entre otros escenarios, un barco en el río Támesis, el desierto de Túnez y el Coliseo de Roma. Finalmente, acompañados por Preston, llevaron a cabo y filmaron la actuación en la azotea del edificio de Apple Corps en el 3 de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.[176]
El ingeniero Glyn Johns trabajó durante meses reuniendo varias iteraciones posibles para poder publicar un álbum definitivo de Get Back, mientras que ellos trataban otros asuntos. El problema llegó con la necesidad de nombrar un asesor financiero, necesidad que se había hecho evidente al no estar ya Epstein para gestionarles sus asuntos de negocio. Lennon estaba a favor de Allen Klein, que había negociado los contratos de The Rolling Stones y otras bandas del Reino Unido durante la invasión musical británica en los Estados Unidos. La elección de McCartney fue John Eastman, hermano de Linda Eastman, con quien McCartney se casaría el 12 de marzo de 1969 (ocho días antes de que lo hicieran Lennon y Ono).[177] No se pudo llegar a ningún acuerdo, así que ambos candidatos fueron nombrados para el mismo puesto. A causa del conflicto, se perdieron varias oportunidades de operaciones financieras.[177]
Martin se sorprendió cuando McCartney se puso en contacto con él y le pidió que produjera un nuevo álbum, ya que las sesiones de Get Back habían sido —según el productor— “una experiencia desagradable” y que había “pensado que era el final del camino para todos nosotros [...] se habían convertido en personas desagradables – para ellos mismos como para las demás personas”.[178] Las sesiones de grabación de Abbey Road iniciaron a finales de febrero de 1969. Lennon rechazó el formato propuesto por Martin de “una obra musical continua”, y quería que sus propias canciones y las de McCartney ocuparan partes separadas del álbum.[178] El formato final, con canciones individuales en la primera parte y la segunda comprendiendo un largo medley, fue un concepto sugerido por McCartney.[178] El 4 de julio, mientras iba progresando el trabajo en el álbum, apareció el primer sencillo de un miembro de The Beatles en solitario: “Give Peace a Chance” de Lennon, acreditado a la Plastic Ono Band. La complementación de “I Want You (She’s So Heavy)”, de Abbey Road, el 20 de agosto, fue la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el mismo estudio. Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969; pero se llegó a un acuerdo por el cual no se haría ningún anuncio público hasta que no se resolvieran algunos asuntos legales pendientes que tenía profesionalmente con sus compañeros.
Lanzado seis días después de la declaración de Lennon, Abbey Road vendió cuatro millones de copias en dos meses y encabezó las listas del Reino Unido durante once semanas.[179] Su segunda pista, la balada “Something”, se publicó también como sencillo, la primera y única composición de Harrison en aparecer como un lado A en los sencillos de The Beatles.[180] Abbey Road recibió críticas muy variadas, aunque el medley se llevó el aplauso general.[181] Allmusic considera que es “un oportuno canto de cisnes por el grupo” con “algunas de los mejores armonías que pueden ser oídas en cualquier disco de rock”.[182] MacDonald lo llamó “errático y, a menudo hueco”: “Si no hubiera sido por la entrada de McCartney como diseñador del largo medley [...] Abbey Road carecería de la semblanza de unidad y coherencia que hace que parezca mejor de lo que es”.[183] Martin lo colocó como su favorito entre todos los álbumes que ellos habían producido; Lennon dijo que era “competente”, pero “no tenía vida en él”, llamando a “Maxwell’s Silver Hammer” “más de la música de abuela de Paul”.[184] [185] El ingeniero de grabación Geoff Emerick señaló que la sustitución de la válvula en la mezcladora de audio del estudio hizo que el transistorizado produjese un sonido con menos garra, dejando a los músicos frustrados por el tono más delgado y la falta de efecto.[186]
El 3 de enero de 1970 se grabó la última nueva canción de The Beatles, “I Me Mine”, de Harrison, para el aún incompleto álbum Get Back. No había participado Lennon, que se encontraba entonces en Dinamarca.[187] Para completar el álbum, ahora retitulado Let It Be, Klein dio en marzo las cintas de grabación de Get Back al productor estadounidense Phil Spector. Conocido por su característico muro de sonido, Spector había producido recientemente el sencillo en solitario de Lennon “Instant Karma!”. Además de remezclar el material de Get Back, Spector editó, empalmó y sobregrabó en varias de las pistas que The Beatles habían concebido como grabaciones “en vivo”. McCartney estaba insatisfecho con el tratamiento que Spector le dio al material, y particularmente con la orquestación en “The Long and Winding Road”, que involucró a un conjunto de un coro y una orquesta de treinta y cuatro piezas instrumentales. Por ello, intentó sin éxito detener el lanzamiento del álbum en la versión de Phil Spector.[188] Finalmente, McCartney anunció públicamente la separación del grupo el 10 de abril de 1970, una semana antes de la publicación de su primer álbum en solitario, McCartney. Las primeras copias de su álbum debut en solitario incluían una nota de prensa con una autoentrevista explicando el final de The Beatles y su esperanza cara al futuro.[189]
El 8 de mayo se lanzó el álbum Let It Be, producido por Spector. El sencillo que lo acompañaba, “The Long and Winding Road”, fue la última publicación en la que aparecieron en los Estados Unidos, pero no en Gran Bretaña. El documental Let It Be le siguió más tarde en ese mes; en la ceremonia de los Óscares del siguiente año ganó el Óscar a la mejor banda sonora (mejor adaptación musical) de 1970 por la canción “Let It Be”.[190] The Sunday Telegraph la calificó como “una película muy mala, pero al mismo tiempo enternecedora [...] sobre la ruptura de esta tranquila, geométricamente perfecta, y alguna vez atemporal familia de compañeros”.[191] Más de una reseña crítica había comentado que algunas pistas de Let It Be sonaban mejor en la película que en el propio álbum.[191] Observando que Let It Be es el único álbum de The Beatles que solía ocasionar reseñas negativas, incluso hostiles, Allmusic lo describió como “en conjunto, un álbum menos valorado [...] McCartney, en particular, ofrece algunas joyas: la canción al estilo gospel “Let It Be”, que contiene alguna de sus mejores letras; “Get Back”, uno de sus temas más rockeros; y la melódica “The Long and Winding Road, arruinada por la sobreproducción de Spector”.[192] McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.[193] Las disputas legales continuaron mucho tiempo después de la ruptura, y la disolución de la asociación no surtiría efecto hasta 1975.[194] [195]
A
AHORA PINK FLOYD
Pink Floyd fue un grupo de rock británico que cosechó gran popularidad gracias a su música psicodélica que, con el paso del tiempo, fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock sinfónico. Es conocido por sus canciones de contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es una de las bandas más importantes e influyentes de la escena del rock con más de 300 millones de álbumes vendidos en todo del mundo,[4] [5] de los cuales 74,5 millones sólo en los Estados Unidos.[6]
Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, su extraño comportamiento, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD,[1] hizo que fuera sustituido en 1968 por David Gilmour, cristalizando así la formación clásica del grupo sin Klose, ya que éste no siguió con Pink Floyd.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años 60, con Syd Barrett como principal compositor. Después de los problemas mentales y la salida del grupo de este último, el cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años 70, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su salida de ella en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd mientras que Waters pensaba que el nombre de la banda no debía seguir siendo utilizado. Tras los juicios, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluidos los tres temas que compuso Gilmour para la obra: “Young Lust”, “Run Like Hell” y “Comfortably Numb”). La justicia igualmente le reconoció los derechos de toda la obra incluida en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el nombre.
Tras superar estos problemas legales, Gilmour, Mason y Wright disfrutaron del éxito comercial con A Momentary Lapse of Reason (1987), disco en el que Wright participó como teclista asalariado y no como miembro de la banda, y con The Division Bell (1994), último disco de estudio del grupo en el que ya aparecieron Gilmour, Mason y Wright como componentes de la banda. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 en Londres.
Contenido [ocultar]
1 Historia
1.1 Orígenes
1.2 Primeros pasos
1.3 La era de la experimentación
1.4 La llegada de la fama mundial
1.5 La era Waters
1.6 La era Gilmour
1.7 Trabajos en solitario
1.8 Futuro del grupo
2 Estilo
3 Influencia
4 Formaciones
5 Colaboradores
6 Discografía
6.1 Álbumes de estudio
6.2 Álbum no publicado
7 Referencias
7.1 Notas
7.2 Bibliografía
7.3 Bibliografía complementaria
8 Véase también
9 Enlaces externos
Historia [editar] Orígenes [editar]Pink Floyd surgió en 1964 a partir de una banda llamada Sigma 6,[7] que cambió su nombre sucesivamente a T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs. Cuando la banda se separó, algunos de sus miembros (los guitarristas Bob Klose y Roger Waters, el baterista Nick Mason y el teclista Rick Wright) formaron una nueva banda llamada Tea Set. Después de un breve tiempo con Chris Dennis como vocalista principal,[8] el guitarrista y vocalista Syd Barrett, fan de los Beatles y del rhythm and blues,[9] se unió a la banda, con lo que Waters pasó a tocar el bajo.[10] En el verano de 1965, Bob Klose se vio forzado a abandonar la banda por las presiones de sus padres y de sus profesores universitarios, y el grupo se convirtió en un cuarteto, con Barrett, Waters, Wright y Mason.[11] De este modo, Barrett se reveló como el principal compositor del grupo, y pronto comenzó a escribir nuevas canciones con influencias del rhythm and blues de Bo Diddley,[12] aunque la publicación de Eight Miles High de los californianos The Byrds y especialmente el álbum Revolver de sus coterráneos los Beatles en 1966 provocó el auge del rock psicodélico, un género musical en el que Barrett se sentía más a gusto.[13]
En otoño de aquel mismo año, Tea Set coincidió en un concierto en Northolt, a las afueras de Londres, con una banda con el mismo nombre que iba a actuar en el mismo lugar. Ante esta circunstancia, Barrett sugirió otro nombre para el grupo, The Pink Floyd Sound, que provenía de la combinación de los nombres de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council.[14] [7] Durante un corto periodo el nombre osciló entre Tea Set y The Pink Floyd Sound, pero con el tiempo éste último se acabó por imponer. El Sound se desvaneció con bastante rapidez, pero el The sería utilizado regularmente hasta 1968. Las producciones inglesas de la banda durante la era de Syd Barrett eran acreditadas como The Pink Floyd así como sus primeros dos sencillos en los EE.UU. Se sabe que David Gilmour continuó refiriéndose al grupo como The Pink Floyd hasta 1984.[15]
Pink Floyd se convirtió en una de las bandas favoritas del movimiento underground, tocando en lugares como el UFO Club, el Marquee Club y The Roundhouse. A finales de 1966 la banda fue invitada a componer música para la película de Peter Whitehead, Tonite Let’s All Make Love in London, y fue filmada grabando dos temas («Interstellar Overdrive» y «Nick’s Boogie») en enero de 1967. Aunque aparecieron muy pocas muestras de esta música en la película, la sesión fue lanzada como London 1966/1967 en el 2005.
Dada su creciente popularidad, los miembros de la banda decidieron formar Blackhill Enterprises en octubre de 1966, en asociación con sus mánagers Peter Jenner y Andrew King,[16] para distribuir los sencillos «Arnold Layne» en marzo de 1967 y «See Emily Play» en junio del mismo año. El primero escaló hasta el puesto 20 en la lista de éxitos del Reino Unido,[1] y el segundo llegó al número 6,[17] dándole la oportunidad al grupo de aparecer por primera vez en la televisión nacional en el programa Top of the Pops en julio de 1967.[18]
Primeros pasos [editar]En 1967, después de varias sesiones instrumentales y presentaciones en vivo, Pink Floyd decidió elaborar su primer álbum, The Piper at the Gates of Dawn, que fue lanzado en agosto de 1967. El título fue extraído de la novela El viento en los sauces, de Kenneth Grahame.[19] En la actualidad está considerado como ejemplo por antonomasia de la música psicodélica británica,[20] además de que en su momento fue muy bien recibido por la crítica. Las pistas del disco, predominantemente escritas por Barrett, muestran letras poéticas y una ecléctica mezcla de música, desde la vanguardista «Interstellar Overdrive» hasta «The Scarecrow» (inspirada en la música folclórica de The Fens, una región rural al norte de Cambridge de donde son originarios Barrett, Gilmour y Waters). Las letras son totalmente surrealistas y a menudo folclóricas, como «The Gnome». La música reflejaba la mejor tecnología electrónica de la época, destacando el uso del paneo estéreo, la edición de cinta, los efectos de eco y el uso de teclados electrónicos. El disco fue un éxito en el Reino Unido, donde llegó al puesto número 6, pero no le fue tan bien en los EE.UU., en cuyas listas solo alcanzó la 131ª posición,[21] aunque después sería relanzado en el periodo de éxito comercial del grupo, en la década de los 70. Durante este periodo, la banda emprendió una gira con Jimi Hendrix, lo que ayudó a incrementar su popularidad.[22]
A medida que crecía el éxito de la banda, el estrés y el consumo de drogas (especialmente de LSD) hicieron mella en la salud mental de Syd Barrett.[1] Su conducta se volvió cada vez más impredecible, lo que afectaba a las presentaciones en público del grupo. Por esto, en febrero de 1968 el grupo llamó a un músico amigo de Barrett, David Gilmour, para apoyarlo a la guitarra y cantar cuando aquél sufriera alguno de sus bloqueos mentales,[23] [1] aunque también se consideró la candidatura de Jeff Beck.[24] Sin embargo, esta solución no resultó práctica y los demás integrantes simplemente dejaron de llevarlo a los conciertos.[25] El último concierto con Barrett en el grupo fue el 20 de enero de 1968, en el muelle de Hastings. El resto de componentes tenía la esperanza de que Barrett pudiera componer para la banda con Gilmour en los conciertos,[7] pero esto no sucedió así, y la composiciones de Barrett se hicieron cada vez más difíciles y abstractas, como «Have You Got It, Yet?», con cambios de melodías y progresiones armónicas, lo que hizo que el resto de integrantes desechara el acuerdo.[26] [25] La salida de Barrett se hizo oficial en abril de 1968,[27] y los productores Jenner y King decidieron seguirlo, por lo que la sociedad Blackhill se disolvió.[1] La banda adoptó como mánager a Steve O’Rourke, quien continuaría con Pink Floyd hasta su muerte en 2003.[28]
Después del lanzamiento de dos álbumes en solitario (The Madcap Laughs y Barrett) en 1970 (co-producidos por y algunas veces con colaboraciones de Gilmour, Waters y Wright), de éxito moderado, Barrett se recluyó en su natal Cambridge y llevó una tranquila vida hasta su muerte el 7 de julio de 2006.
La era de la experimentación [editar]Ya sin la presencia de Barrett en la formación, Gilmour, Waters y Wright se hicieron cargo de las riendas creativas del grupo, cada uno aportando su voz y sonido en sus nuevas producciones, pero dándole a los nuevos materiales menos consistencia que en la era Barrett. Si Barrett había sido el intérprete principal durante los primeros años, en la época siguiente Gilmour, Wright y, especialmente, Waters[1] se convirtieron en los principales compositores y voces dentro de la banda. Algunas de las composiciones más experimentales del grupo datan de esta época, como «A Saucerful of Secrets» —que consiste en su mayoría en ruidos, efectos sonoros, percusiones, osciladores y tape loops— o «Careful with That Axe, Eugene».
A pesar de que Barrett había escrito la mayor parte del primer álbum, sólo una composición suya, «Jugband Blues», apareció en el segundo álbum de Pink Floyd. Barrett también participó en las canciones «Remember a Day» (grabado durante las sesiones de The Piper at the Gates of Dawn) y «Set the Controls for the Heart of the Sun». El nuevo disco, A Saucerful of Secrets, lanzado en junio de 1968, alcanzó el noveno lugar en el Reino Unido y se convirtió en el único disco de Pink Floyd que no entró en las listas norteamericanas.[29] Algo irregular debido a la salida de Barrett, el álbum aún contenía mucho del sonido psicodélico que le había impreso su antiguo líder,[30] combinado con un estilo más experimental, que alcanzaría su pleno desarrollo en Ummagumma. La pieza principal, de doce minutos de duración, se acerca a las épicas y lentas canciones por venir, pero el disco fue recibido fríamente por la crítica de esa época, aunque no así por los críticos actuales.[31] Los futuros trabajos de Pink Floyd adoptarían más firmemente esta idea, enfocándose más hacia la composición a cada nuevo lanzamiento.[32]
Poco después fueron llamados por el director Barbet Schroeder para componer la banda sonora de la película More, que se estrenaría en mayo de 1969. Sus composiciones se editaron dos meses más tarde como álbum de estudio de Pink Floyd, Music from the Film More, y consiguieron el noveno escalón en el Reino Unido y el 153º en los EE.UU.[33] La crítica definió este disco como irregular y accidentado.[34] Muchas pistas de More (como usualmente lo llaman los fans) son canciones acústicas de folk.
Anteriormente, la banda había estado trabajando en una ópera rock llamada The Man/The Journey, pero el proyecto fue rechazado. No obstante, dos de las canciones que componían esta obra, «Green Is the Colour» y «Cymbaline», fueron incluidas en More,[7] y permanecieron como parte habitual de los conciertos en aquella época. «Cymbaline» también fue la primera canción de Pink Floyd que expresaba la actitud cínica de Roger Waters hacia la industria musical de manera explícita. El resto del álbum consiste en piezas secundarias vanguardistas incluidas en la banda sonora (algunas de las cuales también figuran en The Man/The Journey), con unas pocas canciones más potentes, como «The Nile Song».
El siguiente trabajo de la banda fue un álbum doble titulado Ummagumma, que está formado por un disco en directo (grabado entre Birmingham y Mánchester)[35] y otro con temas nuevos de estudio. Cada uno de estos temas fue compuesto por uno de los miembros de la banda y ocupa la mitad de una cara de cada disco (unos 10 minutos cada uno).[36] El título de este álbum significa «relación
Guitarra: Lou Reed y Noel Gallagher
voz: Shirley Ann Manson
bajo: Roger Waters
Bateria: Philip Selway o pondría algún drum doctor que la haga moco y no sea cargoso sino mas bien que acompañe.
Por supuesto que estos 5 darían las mas bellas composiciones nunca antes escuchadas con voces hermosas y melodías de alto calibre (obviamente las voces y composiciones estarian a cargo casi todos).
No se, no creo que con todo lo que ustedes recomienden puedan mejorar esta formación, aqui tengo a Velvet Underground, Oasis, Garbage, Pink Floyd y Radiohead… jojo increible!!!!!!!!!!!!
En calidad es insuperable.
Saludos!
Una opción diferente y creo que todos se complementarían de una forma espectacular que es lo mas importante creo yo.
Aguante Pearl Jam!
EN LO PERSONAL HAY UNA BANDA QUE PARA MI ES LA MEJOR DE LA HISTORIA. AUNQUE ACLARO QUE ME RESULTA TERRIBLEMENTE DIFICIL, EN MI CARACTER DE MUSICO, DEFINIR “LA MEJOR”, SIMPLEMENTE AÑADIRE QUE ME REFIERO A LA MEJOR COMO LA BANDA (MUSICALMENTE + COMPLETA Y + CREATIVA), CAPAZ DE EJECUTAR DESDE UN CHARLESTON ASOMBROSO, UNA BALADA ROMANTICA QUE TE DEJA HELADO, UN HEAVY METAL EXCELENTE, CANTOS GREGORIANOS ENTRELAZADOS CON FANTASTICOS TOQUES OPERISTICOS, FOLK, COUNTRY, GOSPEL, ROCK SINFONICO, ETC. RESUMIENDO:
UNICA QUE MARCO UN HITO EN LA HISTORIA DEL ROCK Y HOY ESTA INMORTALIZADA COMO LEYENDA: LA MAS COMPLETA PARA MI ES QUEEN.
POR FAVOR, SI CONOCEN UNA + COMPLETA REMITAN EL NOMBRE EN ESTE FORO.
UN ABRAZO A LOS AMANTES DEL ROCK!!!!